O mundo parou
A estrela morreu
No fundo da treva
O infante nasceu.

Nasceu num estábulo
Pequeno e singelo
Com boi e charrua
Com foice e martelo.

Ao lado do infante
O homem e a mulher
Uma tal Maria
Um José qualquer.

A noite o fez negro
Fogo o avermelhou
A aurora nascente
Todo o amarelou.

O dia o fez branco
Branco como a luz
À falta de um nome
Chamou-se Jesus.

Jesus pequenino
Filho natural
Ergue-te, menino
É triste o Natal.

Vinicius de Moraes

Quem é o único diretor com dois filmes em cartaz no circuito comercial de São Paulo? Olha aí o bom velhinho nos presenteando no Natal.

Ervas Daninhas

Depois de um longo período de trabalho, eis que chega sexta-feira, dia para conferir as estréias cinematográficas da semana. Porém nenhum filme fora mais aguardado neste fim de ano quanto Avatar, produção milionária do então inativo James Cameron. O esforço para chegar cedo a sessão, escolher um belo lugar e desfrutar do filme de ínicio ao fim emperrou no trânsito da cidade, provocando um atraso de 15 minutos, tempo precioso e perdido sem direito a choro, nem vela. Tantos dias alimentando o desejo de ver algo que o Marketing elevou como a maior experiência filmica da década que o impulso de colocar os óculos 3D e começar a visualização foi mais forte do que qualquer lamento.

Não é segredo que desde Up – Altas Aventuras tenho um affair com filmes em três dimensões. Gosto da sensação de profundidade e do salto da imagem, mesmo percebendo que o aparato ainda tem fortes deficiências. Uma das estratégias publicitárias de Avatar prometia corrigir tais falhas, fato que aliado a alta tecnologia empregada formariam junto ao gênero aventura os principais atrativos da produção. O filme consegue avançar na tecnologia 3D com imagens altamente atrativas, principalmente quando imergimos no ecossistema do planeta Pandora, contudo enquanto narrativa, a produção de Cameron segue o velho Feijão com Arroz.

Apesar das promessas “políticas”, diversos elementos que integram Avatar possuem proximidade com outras produções. Comecemos pela história, a entrada de Jake Sully (Sam Worthington) e sua turma em um ambiente desconhecido e hostil – o planeta Pandora – astro que poderia integrar qualquer galáxia da saga Star Wars de George Lucas. A vegetação do filme é complexa mas baseada na diversidade das maiores florestas tropicais da nossa mal-tratada Terra. A decisão de investigar tal planeta se deve a existência de um minério, uma fonte alternativa de energia altamente valiosa, sobre este objeto o filme destacará a ganância do homem e seu poder de destruição quando o assunto envolve um punhado de doláres.

A sobrevivência em Pandora envolve alta tecnologia já que a atmosfera do planeta é tóxica, não fornecendo as moléculas necessárias a respiração humana. Portanto um dos meios de exploração do ambiente ocorrerá através de clones do povo Na´vi, seres azuis que formam um contraste com a mistura de cores do ecossistema. Tais avatares são uma forma virtual de imersão num cenário onde o deslocamento espacial ocorre como em Matrix, porém sem a filosofia encontrada no filme dos irmãos Wachowski. Jake Sully, o típico jovem inconsequente é aquele que irá figurar como herói da trama, posição construída após ser salvo por Neytiri (Zoe Saldana), a princesa dos Na’vi.

O convívio de Jake Sully com a tribo Na’vi despertará o jovem fuzileiro para aspectos culturais, antes descartados pelos objetivos da missão que integrava. Apesar dos corpos azuis, orelhas pontiagudas e a exagerada altura, a população Na’vi tem costumes familiares aos principais povos tribais dos quais temos registro e conhecimento. Eis o contraste da natureza com a ciência que não conseguem coexistir no mesmo ambiente, logo Jake percebe a importância da preservação do hábitat e seus integrantes, animais alados e terrestres que parecem misturas dos dinossauros de Spielberg com as criaturas oníricas de Guillermo Del Toro.

O lado humano também possui suas particularidades com a figura do ganancioso empresário Parker Selfridge (Giovanni Ribisi), do general estereotipado Miles Quaritch (Stephen Lang) e da bondosa cientista Grace Augustine (Sigourney Weaver) assustadoramente um grupo que representaria individuos qualificados para uma missão de grande importância, o desembarque em um local desconhecido como Jurassic Park. Essa turma conduz telas virtuais parecidas com as utilizadas por Tom Cruise em Minority Report e robôs importados da quase extinta cidade de Zion. Obviamente nada foi copiado, mas talvez aperfeiçoado pela exuberante tecnologia lançada por Cameron.

E se cada detalhe recorda inúmeros filmes, o mesmo ocorre com a narrativa transformada em épico shakesperiano, uma história marcada pelo amor proibido, traições e sacrifícios. Dentre tanto sofrimento há a figura do escolhido, o salvador – Jake Sully, um militar paraplégico, condição que serviria de crítica as consequências da guerra, mas como a questão não é discutida reverte como elemento dramático, visto que Jake retoma os movimentos com seu avatar, um enigma parecido com o de John Locke em Lost. Assim como Locke, Jake terá uma experiência que causará imenso prazer, pondo em dúvida se valeria a pena voltar ao estado anterior.

Talvez o último filme que tenha despertado tamanha curiosidade do grande público tenha sido O Retorno do Rei, produção que fecha a trilogia O Senhor dos Anéis. O Retorno do Rei também se vangloriava do lançamento de novas tecnologias visuais, porém se há uma diferença evidente além do 3D no filme de Cameron, seria a adaptação por Peter Jackson de uma história infinitamente mais rica. Não dá pra comparar Tolkien com Cameron, nem valeria a pena em virtude dos objetivos e diversos outros quesitos. Avatar atinge em cheio o público de diversas faixas etárias com seu melodrama pacifista. O filme precisa recuperar o gasto – investimento alto no politicamente correto.

Ao sair da sessão me senti como uma criança que vê pela primeira vez o mar e fica estarrecida com sua grandeza visual, porém com o tempo a mesma criança percebe que aquele mar preserva caracteristicas iguais, alteradas pela altura das ondas. O filme de Cameron é uma grande onda hawaiana que inunda nossos olhos, mas que desaparece instantaneamente. Parece que há algo novo, a sensação tecnológica que logo se difundirá entre dezenas de filmes. Agora é torcer para que a bomba atômica de James Cameron seja bem utilizada e não cause naufrágios do tamanho de um Titanic. Hollywood conhece o efeito de um filme como Avatar mas continuará cautelosa quanto aos gastos. Parece que nosso ecossistema cinematográfico continuará caminhando para a destruição.

Avatar é uma feijoada que pesará por algum tempo no estômago, os comentários sobre uma possível continuação ecoam pelos bastidores…

Guerra ao Terror

Senhor, quando os campos são frios
E nos povoados desnudos
Os longos ângelus são mudos…
Sobre os arvoredos vazios
Fazei descer dos céus preciosos
Os caros corvos deliciosos.

Hoste estranha de gritos secos
Ventos frios varrem nossos ninhos!
Vós, ao longo dos rios maninhos,
Sobre os calvários e seus becos,
Sobre as fossas, sobre os canais,
Dispersai-vos e ali restais.

Aos milhares, nos campos ermos,
Onde há mortos recém-sepultos,
Girai, no inverno, vossos vultos
Para cada um de nós vos vermos,
Sede a consciência que nos leva,
Ó funerais aves das trevas!

Mas, anjos do ar, no alto da fronde,
Mastros sem fim que os céus encantam,
Deixai os pássaros que cantam
Aos que no breu do bosque esconde,
Lá, onde o escuro é mais escuro,
Uma derrota sem futuro.

Arthur Rimbaud

Será esta de fato uma nova experiência?

Qual o caminho do cinema hollywoodiano após Avatar?

Opiniões sobre estas e outras questões serão formalizadas após meu contato com o filme sensação de 2009.

]]> http://arrotos.wordpress.com/2009/12/18/hora-de-avatar/feed/ 0 Thiago seeavatar http://arrotos.wordpress.com/2009/12/14/a-versao-viciada-de-werner-herzog/ http://arrotos.wordpress.com/2009/12/14/a-versao-viciada-de-werner-herzog/#comments Mon, 14 Dec 2009 03:01:40 +0000 Thiago http://arrotos.wordpress.com/?p=1246 ]]>

Não assisti ao filme de Abel Ferrara para emitir qualquer comparação com Vício Frenético, última produção de Werner Herzog. Aliás várias entrevistas cômicas envolveram o lançamento do filme do diretor alemão, que entre algumas declarações jurou não ter visto o filme de Ferrara, desconhecendo a existência do mesmo. Herzog enfatizou que o melhor seria ignorar a versão anterior para não sofrer qualquer influência no desenvolvimento do roteiro, porém para muitos críticos a comparação é inevitável. A pergunta que não cala – Qual o melhor?

No filme de Herzog somos transportados para Nova Orleans, cidade arrasada pelo furacão Katrina, porém o local é só uma adaptação temporal que pouco contribui para a trama. O fato mais interessante estará no anti-herói Terence McDonagh (Nicolas Cage), um policial viciado que conduzirá a investigação de um homicídio onde os principais suspeitos são traficantes de drogas. Para completar o submundo, Terence namora Frankie (Eva Mendes), uma prostituta de luxo, sempre presente na hora de dividir o trago ou o pó. Entre inúmeros planos, os mais cômicos serão os que o policial sofrerá alucinações.

O filme fica divertido com a falta de limites de Terence para satisfazer a própria abstinência. Quando drogado, o policial encontrará iguanas, animais que são parte de um conjunto natural que Herzog insere na narrativa. Talvez uma das melhores cenas do filme seja a do crocodilo observando seu par atropelado na rodovia, como se lamentando uma perda, fato totalmente dispensável para a história mas que revela uma pitada de criatividade do diretor alemão. O Humor Negro é um dos principais atrativos da obra assim como a aproximação de Terence dos vilões, demonstrando sua imensa fraqueza enquanto policial.

Tenho que revelar que o mais intrigante é ver Werner Herzog por trás de um filme como este, sem julgar a qualidade da obra. Contudo uma produção americana com poucas possibilidades para o diretor transpor sua imensa criatividade, constatada nos diversos filmes das décadas de 70 e 80. Seria um caso onde o dinheiro teria falado mais alto? Perguntas a serem esquecidas, assim como o filme que prima pela recuperação de Nicolas Cage em uma atuação mediana, porém superior se comparada aos péssimos filmes que o ator vinha participando anteriormente.

Talvez o filme surpreendesse critíca e público se o papel de Terence fosse do genial melhor inimigo de Werner – Klaus Kinski. Porém o genêro é policial e ficaria dificil ressuscitar Klaus para salvar Herzog. Vicio Frenético busca um clima Noir, longe de ser encontrado, tornando-se extremamente comum e decepcionante para quem conhece “El Loco” Herzog. Werner perdeu um pouco da forma, agora é torcer para que “My Son, My Son, What Have Ye Done” seja melhor e não apenas uma pergunta a ser destinada ao próprio diretor em relação a sua brilhante carreira.

À Deriva - Melhor Fotografia - Festival de Cuba 2009

Às vezes, uma dor me desespera…
Nestas ânsias e dúvidas em que ando.
Cismo e padeço, neste outono, quando
Calculo o que perdi na primavera.

Versos e amores sufoquei calando,
Sem os gozar numa explosão sincera…
Ah! Mais cem vidas! com que ardor quisera
Mais viver, mais penar e amar cantando!

Sinto o que desperdicei na juventude;
Choro, neste começo de velhice,
Mártir da hipocrisia ou da virtude,

Os beijos que não tive por tolice,
Por timidez o que sofrer não pude,
E por pudor os versos que não disse!

Olavo Bilac

O último filme de Francis Ford Coppola não passou despercebido pelo meu radar, apesar do caráter quase independente da produção. Tetro inicia sua jornada como uma obra cinematográfica que contém elementos e citações a outros segmentos artísticos como o teatro e a música. Para enriquecer o ambiente, Coppola selecionou justamente uma das cidades sulamericanas que respira e transpira cultura - Buenos Aires. A escolha de La Boca para o re-encontro entre os irmãos Tetro (Vincent Gallo) e Bennie (Alden Ehrenreich) ilustra a degradação de uma relação familiar envolta em um grande mistério.

A visita de Bennie ao irmão mais velho funciona como uma fuga ao poder econômico familiar, já que Tetro sobrevive na simplicidade do famoso bairro argentino com uma profissão um tanto curiosa – iluminador. Tetro ilumina as peças alheias já que suas próprias criações permanecem presas ao passado obscuro. Enquanto isso Bennie tenta descobrir os motivos que levaram um talentoso escritor a se exilar, contudo a disposição de Tetro em revelar segredos de sua vida particular é quase nula. O filme de Coppola sobrevive pela paulatina abertura que Tetro concede ao irmão que por várias vezes buscará respostas com a ajuda da cunhada.

Um dos pontos altos da produção encontra-se na fotografia em preto e branco que diversas vezes será confrontanda com flashbacks coloridos. Essa inversão estranha demarcará de forma especial o passado e as angústias de Tetro. O filme tem vários elementos melodramáticos, apesar de ser uma produção essencialmente norte-americana, é perceptível que Tetro tem sangue latino impulsionado pelo cenário e pela trilha-sonora que dá ritmo de tango a uma tragédia anunciada. Ao final parece que Coppola atinge o objetivo de desenvolver algo próprio, sem grandes intervenções de estúdios e produtores.

O filme caminha para a consagração de Tetro que com a ajuda do irmão consegue entrar na disputa de um Festival de Teatro. Porém quanto mais a história se desenrola, mais os dois irmãos vão chegando perto do grande mistério que envolve a família e o filme. A história é simples, assim como o desfecho da obra, porém o que encanta é a supremacia de Coppola como diretor, um sujeito seguro em seus devaneios. O que seria aquele canto estranho que em diversos trechos eleva a narrativa a um estado onírico? Composição muito parecida a outra utilizada por Alain Resnais em uma de suas obras.

Obviamente Coppola não obterá reconhecimento por Tetro, seu passado parece preso a Trilogia O Poderoso Chefão e a Apocalypse Now, filmes onde investiu muito tempo e dinheiro. O caráter autoral do diretor passou por uma profunda transformação, já que o esforço sobre-humano visto em Apocalypse Now dificilmente se repetirá em outra obra. Mesmo assim, Tetro, um filme ainda estranho para mim, merece ser visto já que provém de alguém com um currículo invejável. Veja o trailer abaixo:

A música de abertura de Tudo Pode Dar Certo apresenta a chancela autoral de Woody Allen, uma sonoridade parecida com a composição interpretada por Fred Astaire e Ginger Rogers no clássico A Rosa Púrpura do Cairo. A ambientação da trama na cidade de Nova York também marca o retorno de Allen a um tipo de cinema que dialoga diretamente com o espectador, uma relação próxima que toma ares de brincadeira no decorrer da produção. A primeira surpresa aparece justamente com o olhar de Boris (Larry David) para a câmera , fato que configura uma quebra ficcional e tentativa de envolver o público com a narrativa.

Boris, o centro de toda a trama é um sujeito com idade avançada e língua afiada, um típico pessimista que maltrata todos a sua volta. Com uma personalidade tão negativa, o personagem tentará o suicidio, ação mal-sucedida que acarretará num problema na perna. Boris manca assim como Eugênia, personagem  do fúnebre Memórias Póstumas de Brás Cubas , obra de Machado de Assis. O caminhar irregular fica atrelado ao medo da morte, Boris se arrasta para o que já entende como o fim da vida. Porém há um elemento que mudará a rotina desse velho rabugento, algo que ele perdeu mas pode recuperar na figura de outra personagem – a juventude.

O encontro casual de Boris com Melodie (Evan Rachel Wood), uma garota que foge de casa para tentar a sorte na Big Apple, provocará situações cômicas, já que presenciaremos a relação da sabedoria com a ingenuidade. Melodie é uma personagem estereotipada, uma típica moça do interior com defasagem intelectual, contudo haverá uma osmose entre ela e Boris que resultará no casamento entre ambos. Tal união deixa evidente, apesar da diferença absurda de idade e demais empecilhos, que o casal apaixona e completa-se através da troca de experiências distintas.

O azar ronda Boris que aos poucos vai perdendo a esposa para um rapaz que a seduzirá pela apresentação jovial. Randy James (Henry Cavill) tentará convencer Melodie que o atual esposo não é o parceiro ideal para uma moça tão jovem e bonita. Boris que rejeitava qualquer relação sentimental com Melodie ficará magoado com a situação, circunstância que evidência o quanto Melodie provocou transformações em sua vida, antes restrita a encontros com os velhos amigos e aulas de xadrez para crianças.

O filme esquenta no final com as situações absurdas provocadas pela chegada dos pais de Melodie a cidade. Importante salientar que todos esses personagens passarão por profundas transformações pelo encontro com Boris e a cidade de Nova York. Quem se identificar com o humor negro produzido por Boris, ficará satisfeito com o novo filme de Allen que dificilmente erra a mão no desenvolvimento de um roteiro. Não é a melhor produção do diretor mas um suspiro que resgata outros grandes sucessos do cineasta, demonstrando que as coisas ainda podem dar certo.

Semana passada corri com uma amiga até a FAAP com medo de perder a exposição dos irmãos Otávio e Gustavo Pandolfo, dupla internacionalmente conhecida como OSGEMEOS. Citei o belo trabalho de ambos no começo do ano quando defendi o grafite do inglês Banksy pelas ruas londrinas. Na ocasião defendi o grafite como meio de expressão artística elogiando o reconhecimento que grafiteiros estavam recebendo nos últimos anos. Porém algo me indignava – como uma dupla tão talentosa, com trabalhos expostos nas principais cidades do mundo seria tão pouco conhecida no país de origem?

Logo pensei que o motivo para tal fosse nossa mídia deficiente ou quem sabe a falta de patrocínio e espaço para que um expositor bancasse as possíveis instalações. Diria que a segunda alternativa balançou com a mostra organizada pela Fundação Armando Álvares Penteado. Em Vertigem, a dupla OSGEMEOS mergulha no próprio universo, antes solto entre as paredes urbanas e agora preso a personagens amarelos em um espaço trancado por uma bela imaginação pictórica. Na exposição há o contraste do que parece real, exemplificado na simplicidade de um cômodo com diversos apetrechos, com o que por vezes parece surreal como no caso dos personagens que brotam pelas paredes.

Não existe apenas o grafite, a arte se expandira para o artesanato, a música e outras vertentes. Talvez por isso o título Vertigem, já que caímos em um ambiente extremamente rico e agradável para refletir. A influência do movimento surrealista parece forte com imagens que provocam diversas interpretações – Teria o violão derretido, alguma semelhança com os relógios em mesmo estado de Salvador Dalí? Talvez, mas em um universo tão novo fica difícil perder tempo com qualquer tipo de comparação abstrata. O melhor é participar da brincadeira e tentar passar pelo pequeno vão do barco ou tocar a partitura que acompanha as teclas de um Acordeon.

Nossos amigos amarelos parecem presos a um tempo específico, por alguns instantes estão num cotidiano humilde e em outros dividem a cena com o caos urbano como na imagem que acompanha esta postagem. A exploração fica mais divertida quando percebemos que existem outras imagens dentro daquela definida como principal. Uma pena que tudo acabe tão rápido. Fico feliz ao finalmente ver a exposição da dupla recebendo o merecido destaque mesmo que encarcerada pelo olhar crítico. Que os grafites artísticos continuem pelos muros urbanos até que ninguém ouse passar uma mão de tinta na criatividade alheia.